Die erste große US-Schau, die dem Künstler gewidmet ist, der das Genie von Leonardo da Vinci mitgeprägt hat

Andrea del Verrocchio, Kopf einer Frau mit geflochtenem Haar (1470er Jahre), Zeichnung auf Papier. (Leihgabe des Trustees of the British Museum, London. Copyright, the Trustees of the British Museum. Alle Rechte vorbehalten.)

Studenten der Kunstgeschichte studieren unweigerlich die drei großen David-Statuen des Renaissance-Florenz. Donatellos bronzener David, die erste freistehende nackte männliche Skulptur seit der Antike, wurde um 1440 gegossen und zeigt einen androgynen Jungen, der zu klein für das große Schwert ist, das er trägt. Und in den frühen 1500er Jahren kam Michelangelos großer Marmor-David, ein apollinischer Krieger, der seinen Feind mit ruhiger Entschlossenheit anstarrte, ein Koloss männlicher Energie.

Dazwischen lag Andrea del Verrocchios David mit dem Kopf des Goliath, der um 1465 in Bronze gegossen wurde. Er ist nicht annähernd so großartig wie der von Michelangelo und nicht so üppig wie der von Donatello, und er ist der kleinste der drei. Aber es ist eine spannende psychologische Darstellung und vielleicht die einzige, die den deutlichen Eindruck hinterlässt, dass sich in der schönen Hülle eines biblischen Helden eine echte Person befindet. Auch Verrocchios David, ein aristokratischer Heranwachsender, dessen wilde Anspannung durch seine anmutigen Glieder zieht, hat ein rätselhaftes Lächeln, das Zweiflern aller Zeiten zu sagen scheint: Du denkst, ich bin kein Mörder?

David ist einer der Stars der wegweisenden Verrocchio-Ausstellung der National Gallery of Art, der ersten umfassenden US-Umfrage, die dem Künstler gewidmet ist. Kuratiert von Andrew Butterfield, Verrocchio: Sculptor and Painter of Renaissance Florence umfasst etwa 50 Werke, darunter mehrere der wichtigsten Meisterwerke, die dem Künstler selbstbewusst zugeschrieben werden (neben David der prächtige Putto mit einem Delphin und die Marmordame mit Blumen) und eine Galerie voller Gemälde, von denen viele mit oder von Verrocchios wichtigsten Schülern, Mitarbeitern oder Anhängern gemacht wurden.

Verrocchio war der Lehrer von Leonardo da Vinci, daher ist die Ausstellung in diesem 500. Todesjahr von Leonardo im Jahr 1519 besonders willkommen. Aber er war auch ein Lehrer oder enger Mitarbeiter von Domenico Ghirlandaio, Pietro Perugino und Sandro Botticelli, und durch die ersten beiden Künstler, praktisch der Lehrer der Lehrer von Michelangelo bzw. Raffael.

Es ist jedoch zu leicht, sich Verrocchio nur als einen Einfluss oder Vorläufer von Größerem, das noch kommen wird, vorzustellen. Seine Werkstatt, ein Kessel der Innovation und Zusammenarbeit, war ein Katalysator für einige der größten Werke der Renaissance-Kunst, und es ist oft schwierig, die Errungenschaften seiner bekannteren Anhänger von seinen eigenen produktiven Erfindungen und Experimenten zu trennen.

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Die Ausstellung erkennt und erforscht die Verwirrung und Komplexität der Definition von Verrocchios Kanon, und das ist die große Stärke einer Show, die für die üblichen Blockbuster-Standards klein, aber außerordentlich potent ist. Die Besucher treffen zuerst auf David, ein Wunderwerk an Design und Gießkunst (Verrocchio hat seinen eigenen Guss gemacht, was für florentinische Bildhauer seiner Zeit relativ selten war). Sein technisches Geschick zeigt sich in den leichten Fransen am Saum des Wamses des Jungen, das straff über seinen Körper gespannt und von kleinen Haken an seiner linken Seite zusammengehalten wird, und in der Klarheit der Schriftzeichen auf dem Besatz des Kleidungsstücks. Noch faszinierender sind die erzählerischen Entscheidungen des Künstlers – das Pathos von Goliaths Kopf, der zu den Füßen des Jungen ruht, und der seltsame Ausdruck auf Davids Gesicht, der das Rätsel seines Charakters andeutet und den Mann ahnen lässt, der er werden wird, der König, der Bathseba vergewaltigt und schickt ihren Mann in den Tod.

Aber der David ist nicht einmal die beste Bronze in der Ausstellung. Noch beeindruckender ist das Putto With a Dolphin, ein leichteres Werk, aber noch beeindruckender. Der Putto, ein geflügelter Junge, dreht sich auf einem Fuß, berührt leicht den Boden, während er in seinen pummeligen Armen einen glatten, übergroßen Fisch mit einem neugierigen Hundeausdruck im Gesicht hält (es ist eine Strecke, ihn einen Delfin zu nennen). Das Wunder liegt in dem fließenden Gewand, das sich an den Jungen schmiegt und hinter ihm weht. Seine Oberfläche ist leicht gehämmert, so dass es einer dünnen Tierhaut ähnelt, und seine kunstvollen Falten scheinen fast die Möglichkeit zu trotzen, dass es aus gegossener Bronze hergestellt wurde. Und doch wurde das Stück, mit Ausnahme der Flügel des Jungen, offenbar in einem Guss gefertigt.

Sowohl der David als auch der Putto mit einem Delphin werden sicher Verrocchio zugeschrieben, und beide werden in Giorgio Vasaris Leben der Künstler erwähnt, einer problematischen, aber unverzichtbaren Quelle über Künstler dieser Zeit. Vasari erzählt uns in seinem Kapitel über Verrocchio leicht herablassend, dass der Künstler als Goldschmied, Meister der Perspektive, Bildhauer, Holzschnitzer, Maler und Musiker erfahren war – und dass er auch Geometrie studiert hat.

Die Ausstellung umfasst schöne Beispiele von Verrocchios Metallarbeiten (eine Achatvase mit Silberbeschlägen und ein prächtiger Bronzekandelaber) und einen Raum voller Zeichnungen, der angesichts der geringen Anzahl seiner Zeichnungen eine beeindruckende Assemblage darstellt. Unter ihnen ist ein spektakulärer Kopf einer Frau mit geflochtenem Haar, der wahrscheinlich einer der bestimmten Frauenköpfe ist, schön im Ausdruck und im Schmuck der Haare, die Leonardo da Vinci immer wegen ihrer Schönheit nachahmte, wie von Vasari . erwähnt .

Es ist jedoch ein Raum der Malerei, der das spannendste Kapitel dieser Ausstellung ist. Die Nationalgalerie hat zum ersten Mal seit rund 30 Jahren ihren preisgekrönten Leonardo, das Porträt von Ginevra de’ Benci, in einen freistehenden Kasten mitten im Raum gestellt. Dies unterstreicht nicht nur Leonardos Beziehung zu seinem Lehrer, sondern auch Verrocchios umfassendere Rolle als Anstifter und allgemeiner Ansporn für die kreativen Energien des Florenz des späten 15. Jahrhunderts. Viele der Werke in diesem Raum wiederholen ein gemeinsames Thema – die Madonna mit Kind – einige sind bemalt, andere aus Gips oder Terrakotta und andere mit oder von seinen Akolythen oder Bewunderern gemalt.

Die Wiederholung des Themas trägt dazu bei, die besonderen Tugenden von Verrocchios einzigartigem Beitrag hervorzuheben, insbesondere in einem Werk, das als Berliner Madonna mit Kind bekannt ist. Hier sieht man die Süße und das Geheimnis, für das Leonardo oft das historische Patent erteilt wird, und die subtile Schattierung und das Volumen, die Verrocchios Figuren dreidimensionaler erscheinen lassen als die anderer Maler seiner Zeit. Und das knifflige Streben nach Details – die Aufmerksamkeit für Dinge wie Spitze und Stoffstruktur und wie Licht auf goldene Fäden trifft, die in ein Stück Stoff eingewebt sind. Es ist ein atemberaubendes und tief bewegendes Gemälde.

Die Einbeziehung von Leonardos Ginevra-Porträt ermöglicht es den Besuchern auch, die DNA einer Idee zu verfolgen, von Verrocchios Marmorschnitzerei einer Dame mit Blumen bis hin zu Leonardos gemalter Version der scheinbar gleichen Frau oder zumindest der gleichen allgemeinen Idee einer Frau. Das Hin- und Herwechseln zwischen Skulpturen und Gemälden ist unendlich lohnend, und man fragt sich, wie viel von Verrocchios malerischer Innovation nicht nur aus dem Studium des Lebens selbst, sondern auch aus dem Studium des in Stein oder Metall eingefrorenen Lebens stammt. Es ist verlockend zu glauben, dass die Schatten unter dem Kinn und die Glanzlichter auf Gesicht und Hals der Berliner Madonna visuelle Entdeckungen aus Verrocchios eigener dreidimensionaler Arbeit sind.

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Und so auch das berühmte Sfumato oder die Unschärfe und Schattierung der Formen, die in Leonardos Malerei gefeiert wird. Nicht nur in der Berliner Madonna, sondern auch in Zeichnungen wie der Frau mit geflochtenem Haar. Wenn die Geometrie und Oberflächen von dreidimensionalen Objekten kompliziert werden, neigt der Geist dazu, Formen aufzuweichen und aufzulösen. Wir können in komplexe Oberflächen, wie die bauschigen Falten des Gewandes des Putto, nicht tief blicken und registrieren sie in einer Art visueller Paraphrase. Vielleicht hat auch Leonardos charakteristische malerische Geste ihren Ursprung oder wurde durch eine Reaktion auf die Komplexität von Verrocchios Skulptur und den seltsam undurchsichtigen Ausdruck seiner Figuren gefördert.

Die Ausstellung schafft es auch, uns einen flüchtigen Eindruck von etwas zu vermitteln, das in Verrocchios Ruf meistens fehlte: ein Gefühl für seine Persönlichkeit. Es gibt nicht genug Arbeit, um seinen Charakter über die spärlichen Details seiner Biografie hinaus vollständig auszugestalten. Aber in gewissen Grotesken (Zeichnungen von trinkenden und tanzenden alten Männern), in einem kraftvollen Gemälde des Antlitzes des Heiligen Hieronymus, in der Berliner Madonna und in einer fantasievollen Darstellung eines geplanten Grabes für einen bemerkenswerten Venezianer sehen wir eine Rundheit und Fülle, die Es hat es nicht in die kunsthistorischen Standardberichte des Künstlers geschafft.

Wenn Verrocchio in erster Linie als Leonardos Lehrer in Erinnerung bleiben soll, können wir zumindest sehen, dass das, was vom Meister an den Schüler weitergegeben wurde, weit mehr war als eine Reihe von Fähigkeiten oder Techniken zur Wiedergabe von Faksimiles der Welt. Es gab auch eine Weltanschauung, eine Unruhe, ein Übermaß an Neugier und Ehrgeiz und vielleicht sogar eine gemeinsame philosophische Leichtigkeit, die über bloßen Humor hinausgeht.

Verrocchio: Bildhauer und Maler der Renaissance in Florenz Bis 12. Januar in der National Gallery of Art. nga.gov .

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