Von Basquiat bis Black Panther: Wie Graffiti zum Mainstream wurden

Six Crimee (1982) von Jean-Michel Basquiat. Acryl- und Ölmalstift auf Hartfaser, drei Tafeln. (Museum of Contemporary Art, Los Angeles/Scott D. F. Spiegel Collection/© Estate of Jean-Michel Basquiat/licensed by Artestar/Photo courtesy of Museum of Contemporary Art, Los Angeles/ Museum of Fine Arts, Boston)

Die Zukunft schreiben: Basquiat und die Hip-Hop-Generation , eine brillante Ausstellung im Bostoner Museum of Fine Arts, zeigt die zentrale Bedeutung der bildenden Kunst für die aufregenden Anfänge des Hip-Hop. Die Show regt zu neuen Überlegungen zu den Ursprüngen des Hip-Hop und der Post-Graffiti-Bewegung an, bei der die Straßenkünstler, die die Stadtlandschaft von New York verändert hatten, ihre Arbeiten für die Präsentation in High-End-Galerien sowie in Musikvideos und Mode adaptierten .

Die Show präsentiert auch eine Einführung in die Verbindungen zwischen Hip-Hop und Afrofuturismus, der ästhetischen Philosophie, die kulturelle Merkmale der afrikanischen Diaspora mit futuristischer Technologie verbindet. Afrofuturismus gab es schon lange vor Hip-Hop, aber mit dem Marvel-Film Black Panther aus dem Jahr 2018 erreichte er den großen Durchbruch.

Die Hip-Hop-Kultur wurde vom Mainstream als vorübergehende Modeerscheinung abgetan, als sie in den 1970er Jahren auftauchte. Im Jahr 2020 würde niemand, der aufpasst, mit der Behauptung argumentieren, dass Hip-Hop und Rap die auserwählte Arena für Scharen von Amerikas ehrgeizigsten kreativen Künstlern sind. Writing the Future erinnert uns daran, dass ein Teil der ursprünglichen kreativen Energie visuelle Form angenommen hat.

Es konzentriert sich nicht nur auf Jean-Michel Basquiat, den bekanntesten der bildenden Künstler, sondern auf ein Dutzend seiner Kollegen, Freunde und Mitarbeiter, darunter Lady Pink, Keith Haring, A-One, Fab 5 Freddy und der bemerkenswerte Rammellzee.

Es ist eine provokative, super lustige Ausstellung. Um in den unterirdischen Raum des Museums zu gelangen, steigt man eine breite Treppe hinab zu einem Vorraum, der in eine etwas zu sterile New Yorker U-Bahn-Station umgewandelt wurde, mit einer lebensgroßen Nachbildung der kunstvoll besprühten Seiten von U-Bahn-Wagen.

Düsterer, glamouröser und aus voller Kehle ist die wie eine Tanzparty gestaltete Galerie im Herzen der Show. Es enthält Ausschnitte aus frühen Filmen über die Hip-Hop-Kultur, einschließlich derer von 1982 Wilder Stil , unter der Regie von Charlie Ahearn, sowie Videos von Madonna und Blondie (Debbie Harry). Das Video zu Blondies Hitsingle Entrückung war das erste Rap-Musikvideo, das 1981 auf MTV ausgestrahlt wurde; Es zeigte Basquiat als DJ und Lee Quiñones und Fab 5, die Wandbilder mit Blasenbuchstaben malten.

Die letzten Räume der Show, die uns in das visionäre Gemurmel, das meisterhafte Zeichnen und die afrofuturistischen Kostümfantasien von Rammellzee – in vielerlei Hinsicht der wahre Star der Show – eintauchen, sind bewusstseinsverändernd.

Fans von Basquiat sollten die Ausstellung lieben. Der in Brooklyn geborene Sohn eines haitianischen Vaters und einer Mutter puerto-ricanischer Abstammung eroberte in den 1980er Jahren die New Yorker Kunstwelt im Sturm, bevor er im Alter von 27 Jahren an einer Überdosis Heroin starb. Aber Writing the Future, organisiert von Liz Munsell und Greg Tate , ist nicht wirklich eine Basquiat-Show. Es gibt nicht viele Werke von ihm und nur eine Handvoll zeigt ihn in Bestform.

Doch hinter dieser Ausstellung steckt mehr, als Basquiat in einen Kontext zu stellen. Es geht um ein größeres Phänomen – einen Kampf um Sichtbarkeit, der in Hyper-Sichtbarkeit überschwappte. Es befasst sich mit einer Schlüsselperiode der schwarzen Kreativität und urbanen Jugendkultur, einem längeren Moment, der von einer Mainstream-Kultur zu wenig verstanden wird, die sie an den Rand wirft, selbst wenn sie unter den Bedingungen schwimmt, die sie geschaffen hat.

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So vieles an der Show ist verunsichert oder ungelöst, was ihre Lebendigkeit ausmacht. Und es bleibt natürlich weiterhin umstritten. Aber egal, ob Sie die Explosion von Graffiti auf New Yorks U-Bahn-Wagen in den 1970er Jahren als Ausdruck kreativen Überschwangs und Widerstands gegen Unterdrückung oder Guerilla-Vandalismus (oder beides) sehen, die Show wird Sie neugierig machen auf Graffiti, ihren Einzug in High-End-Galerien (nur ein Teilerfolg) und die Übernahme des kulturellen Mainstreams durch Hip-Hop (eine durchgängige Niederlage).

Es gibt viele visuelle Talente zu sehen, darunter fesselnde Dinge von Lady Pink (Sandra Fabara), die mit der Konzeptkünstlerin Jenny Holzer an Sprühbildern zusammengearbeitet hat, und Kool Koor (Charles William Hargrove Jr.). Aber während die Ausstellung Post-Graffiti überzeugend als bedeutendes kulturelles Phänomen präsentiert, kämpft sie damit, zu behaupten, dass es sich um eine übersehene Arena künstlerischer Exzellenz handelt.

Basquiat und Rammellzee repräsentieren die Zwillingspole der Show und ihre verschlungenen Energiequellen.

Wenn Jay-Z, in Picasso, Baby , rappte ich bin der neue Jean-Michel, umgeben von Warhols, er meinte natürlich Basquiat. Er erhob Anspruch auf eine Abstammung, die nicht nur kreative Innovation umfasste, sondern auch die Art von Prahlerei und Pomp, die Sie von den entrechteten Straßen in das Zentrum der Massenpopularität und des kulturellen Prestiges befördert.

Basquiat hat nie U-Bahn-Wagen bombardiert. Aber er erlangte früh Bekanntheit als Teil von SAMO, einem Duo (die andere Hälfte war Al Diaz), das zwischen 1977 und 1980 epigrammatische Markierungen auf den Straßen von Manhattans Lower East Side hinterließ.

Das Schreiben war nur einer der Einflüsse, die Basquiat nutzte, wie Tate in seinem charakteristisch wunderbaren Katalogaufsatz deutlich macht. Jazz, Boxen, Brooklyns gebaute Umgebung, die West Indian Day Parades, die Basquiat mit seinem haitianischen Vater sah, und moderne Kunst, die er bei Besuchen im Museum of Modern Art mit seiner Mutter sah, waren alle Teil der Mischung.

Wenn Basquiat ein großartiger Synthesizer war, der sich für die Museumssammlung einsetzte, wie Tate es ausdrückt, war Rammellzee ein Visionär, der der Akzeptanz durch den Mainstream zutiefst misstrauisch war. Er verlieh dem Graffiti-Schreiben theoretische Gravitas.

Rammellzee stammte aus Queens. Er verbrachte seine Teenager damit, Züge in seiner Nachbarschaft in Far Rockaway zu markieren. Er entwickelte einen Schreibstil, der die Buchstabenseraphs zu Pfeilen oder dynamischen Vektoren ausdehnte, die an Raketen erinnerten und sie so gut wie unleserlich machten, außer für Eingeweihte.

Der futuristisch-militaristische Look, der für Black Panther so wichtig ist, war für diese Graffiti-Künstler einfach ein Teil des Zeitgeistes. Wir sind Generäle in der städtischen Armee, sagte Fab 5 bei der Eröffnung einer Post-Graffiti-Ausstellung in der Sidney Janis Gallery 1983. Botschafter der Welt, läuteten in Rammellzee. In Anlehnung an die Musiker Sun Ra und George Clinton tauchte der Afrofuturismus in der Arbeit von Künstlern wie John T. Biggers und in mehreren Post-Graffiti-Künstlern in Writing the Future auf, darunter Basquiat, Futura, Keith Haring und Fab 5 Freddy.

Wie Sun Ra hatte Rammellzee eine Vorstellungskraft, die es liebte, alternative Geschichten, alternative Welten zu bauen. Er sah seinen Stil des U-Bahn-Schreibens als kalligraphischen Ableger der Schrift, die von gotischen Mönchen des 16.

Nur wenige New Yorker dieser Zeit würden sich gegen die Vorstellung wehren, dass das U-Bahn-System der 1970er Jahre ein Sektor des Hades war, aber wer wusste, dass es den Quanten-Voodoo einer längst verstorbenen Gothic-Sekte beherbergte, die darauf wartete, von einer Armee erfinderischer und wilder urbaner Teenager wiederbelebt zu werden bewaffnet mit Sprühfarbe und zehnteiligen Zügen für die Leinwand? Wer außer Rammellzee hätte aus dieser wilden Einbildung einen fabelhaften Mythos und Ethos erfinden können?

Das verrückte Meisterwerk der Show ist eine monumentale, 12-teilige Zeichnung mit Filzstift und farbigem Marker, die sich wie eine japanische Schriftrolle horizontal über den größten Teil einer Wand erstreckt. Längst von der Künstlerin in zwei Teile geteilt, ist das Werk hier zum ersten Mal seit 1983 wieder vereint. Grafisch ist seine Raffinesse immens und wechselt zwischen flacher Typografie und 3-D-Illusionismus hin und her. Auch die Farben sind bezaubernd.

Das Wandetikett beschreibt es als grandiose Zusammenfassung der Geschichte und Zukunft von Graffiti, seine Schrift soll als Waffe im Krieg gegen autoritäre Kontrolle der Kommunikation dienen.

Wenn die Hip-Hop-Kultur – mit ihrer militanten Poetik der Disruption – aus Rassismus, Entrechtung und kultureller Ausgrenzung hervorgegangen wäre, welches Schicksal würde sie genießen, wenn sie nicht nur zum Toast der Stadt, sondern der Jugend auf der ganzen Welt wurde?

Die Karriere und die posthume Rezeption von Basquiat liefern eine Antwort. Rammellzee hingegen glaubte, dass Graffiti-Schriften ihre Seele verloren haben, als sie in Galerien eingezogen sind und als ihre Künstler aufgehört haben, ihre eigenen Meisterschaftskriterien zu etablieren, und stattdessen unter den Einfluss äußerer Kriterien geraten: Wir haben versagt, was 'unsere' Kultur hätte sein können, er sagte.

Der Punkt ist aus heutiger Sicht strittig. Um wirklich kreative Energie kann man keine Mauern ziehen, und man kann sich auch keine Kriterien aneignen und sie ausschließlich für sich behalten, wie es Rammellzee impliziert.

Aber man kann sich mit ihm fragen, ob die Kunst der Post-Graffiti-Künstler etwas verloren hat, als sie auf Leinwände übertragen und in schicken Galerien platziert wurde. Anhaltender Rassismus könnte eine Erklärung dafür sein, warum so wenig von dieser Arbeit den gleichen Erfolg hatte wie die von Basquiat. Aber es könnte auch mit dem bevorzugten Medium zu tun haben – Sprühfarbe, die ihre Faszination hat, aber keine der reichen Texturmöglichkeiten oder Transluzenz von Ölfarbe und die dazu neigt, auf dem Auge zu sterben – und dem relativen Mangel an einzelnen Künstlern, die über längere Zeiträume arbeiten auf höchstem Ehrgeiz.

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